“Il ragazzo dai pantaloni rosa”, la storia di Andrea Spezzacatena, il quindicenne che si tolse la vita perché vittima di bullismo e cyberbullismo, torna a teatro in forma di juke box musical, con una playlist di canzoni popolarissime del pop-rock italiano scelte come parte del racconto, in un caleidoscopio di grandi successi che appaiono talmente calzanti al racconto da sembrare quasi scritti apposta per questa storia.

Fedele alla chiave vincente che rese il film tanto amato, lo spettacolo scorre su un binario ancor più “leggero e evocativo” nei toni e nel modo di trattare un argomento sulla carta così delicato, grazie all’enorme contributo delle canzoni che conferiscono alla messa in scena un calore e un’energia davvero unici e di grande coinvolgimento. La playlist vede in primo piano il brano di Arisa “Canta ancora”, reso celebre dal film e premiato ai Nastri d’Argento come migliore canzone originale, e include vere e proprie hits tutte “da cantare” tra cui 100 messaggi, A modo tuo, Gigante, Il filo rosso, La fine, Sogna ragazzo sogna Sanremo, Una musica può fare, Volevo essere un duro, e altre ancora, ri-arrangiate per il Musical.

Con l’inedita versione teatrale tratta dal film, il regista sceglie di puntare tutto sulle emozioni, veicolando un messaggio di altissimo valore sociale. Il commovente racconto di una vicenda che riguarda tutti – ragazzi, famiglie, educatori, istituzioni – mira a raggiungere il cuore degli spettatori e a stimolare una riflessione profonda attraverso l’arte, la bellezza e la musica, non solo per denunciare un fenomeno purtroppo ancora dilagante, ma anche per guardare al futuro con rinnovata fiducia e speranza.

Dopo un capillare tour nelle scuole italiane, il film “Il ragazzo dai pantaloni rosa” è approdato su Netflix a maggio 2025, dove è rimasto per oltre un mese nella top ten dei film più visti. Questo spettacolo aggiunge un obiettivo di sensibilizzazione già raggiunto dal film campione di incassi, tratto dal libro scritto dalla madre di Andrea Spezzacatena, Teresa Manes.

“Spesso il lavoro di noi creativi e comunicatori si scontra con l’aderenza alla realtà che ci circonda. Ma il valore più grande che ha il Teatro è quello di fare da specchio alla società per far riflettere le spettatrici e gli spettatori nelle loro virtù e debolezze. Ecco che ogni tanto, nel grande mare dell’intrattenimento dal vivo – a volte tempestoso ma spesso piatto e schifosamente calmo – puntare la barra del timone su un’isola felice diventa vitale. Il ragazzo dai pantaloni rosa diventa per me una pietra, non solo una tappa di un percorso bensì l’approdo a una forma di creatività tout court che mi ha spinto a immaginare un intero spettacolo partendo da una forma di racconto totalmente diversa e lontana dal musical (il film cinematografico) per approdare ad un esempio di vero e proprio juke-box musical grazie alle “lezioni” che ho potuto ricevere sul campo cimentandomi in passato con capolavori come Mamma Mia!, We will rock you o il recentissimo Moulin Rouge! Il Musical. Ho apprezzato moltissimo la forza dirompente con cui Teresa Manes, la mamma del ragazzo a cui il nostro racconto si ispira, ha voluto fortemente regalarci la sua dolorosissima esperienza: da genitore, credo che non esista un dolore più dilaniante di questo. E ho altresì ammirato la chiave di racconto che ha scelto Roberto Proia nella sua sceneggiatura affinché di questa tragedia emergesse l’aspetto più luminoso – se mai si potesse ipotizzarne uno – che è la voglia di guardare avanti saltando il mero tragico episodio per evidenziarne le cause che lo hanno preceduto. Nel contribuire umilmente al racconto attraverso un’opera ancora più evoluta – perché comprensiva anche della musica, linguaggio universale che coinvolge e unisce – ho addirittura voluto riportare idealmente Andrea “tra noi” nella veste di narratore, una sorta di “voce del pensiero” tipo “se oggi fossi ancora qui…”, rendendo più leggero il racconto nella speranza che arrivi il messaggio che il sacrificio di Andrea possa non essere vano ma riesca a far fermare gli adolescenti per un paio d’ore a pensare quanto sarebbe bello se tutti rispettassimo l’individualità degli altri senza affrettati giudizi e senza quella maledetta, tremenda, aberrante ricerca delle pecorelle contro cui farsi leoni.”
MASSIMO ROMEO PIPARO

La Terra è al punto di non ritorno: l’inquinamento ha reso l’aria irrespirabile, l’acqua è ormai una risorsa rara e il suolo ha smesso di produrre frutti, costringendo l’umanità a un’evacuazione d’emergenza. La sola speranza è “EARTH”, una gigantesca arca-astronave bio-tecnologica pronta ad accogliere i sopravvissuti per un nuovo inizio.

Sulla rampa di lancio, mentre infuria una tempesta tossica globale, si incrociano i destini di sei personaggi molto diversi tra loro. Quando un improvviso guasto tecnico rischia di bloccare la partenza e condannare tutti, protagonisti e coloni in fuga – affiancati da un energico corpo di ballo – dovranno superare divisioni e pregiudizi in una corsa contro il tempo.

Tra coreografie travolgenti, comicità e una potente colonna sonora pop-rock, lo spettacolo trasforma l’urgenza climatica in una grande avventura corale, dove la fantascienza diventa un inno alla cooperazione, al rispetto della biodiversità e alla speranza.

Non si tratta di una resa, ma di una straordinaria lezione di cooperazione e rispetto per la biodiversità: la grande bolla spaziale diventa una scuola temporanea in cui imparare a custodire la vita per poter, un giorno, guarire il pianeta e tornare a casa. Non lasciamo che i nostri studenti guardino al futuro con paura: insegniamo loro a progettarlo, a bordo di una grande storia.

Le avventure di Oliver Twist, liberamente tratto dall’opera di C. Dickens “The Adventures of Oliver Twist, or, The Parish Boy’s progress”, racconta la miseria e l’ingiustizia della società inglese dell’ottocento, denunciandone la povertà, lo sfruttamento, la criminalità e l’ipocrisia.

attraverso la figura di Oliver, un bambino innocente costretto ad affrontare il mondo adulto e le sue difficoltà, lo spettacolo permetterà un’immersione completa ed affascinante nella società vittoriana e nelle sue contraddizioni.

il significato dell’opera è chiaro: Oliver, con la sua resilienza e la sua fede nella giustizia, riesce a sconfiggere i cattivi e a trovare una nuova vita, offrendo così un messaggio di speranza e dimostrando come sia possibile trovare il bene anche nelle situazioni più avverse.

Questo adattamento musicale, caratterizzato da canzoni, coreografie, scene spettacolari e costumi d’epoca, permetterà di avvicinarsi alla storia e all’atmosfera dell’Inghilterra ottocentesca in maniera piacevole ed interessante; inoltre dialoghi brillanti – resi con un’attenta fruibilità linguistica – e personaggi strambi renderanno la vicenda estremamente coinvolgente ed esilarante, offrendo momenti di risa e, allo stesso tempo, di toccanti emozioni e profonde riflessioni.

La visione di uno spettacolo in inglese si dimostra essere un approccio alla lingua di tipo festoso e creativo, agevolandone la comprensione; la messa in scena diventa così un mezzo, una modalità di apprendimento, un tramite, un aiuto, una guida.

Un aviatore, sorvolando il deserto, ha un incidente e fa un atterraggio di fortuna… e lì (forse) incontra il Piccolo Principe di un asteroide. Il piccolo protagonista inizia così il suo racconto, caratterizzato da personaggi strani, ognuno con la propria storia, la quale rappresenta vizi e virtù dell’uomo: un re triste perché non ci sono uomini a servirlo, un ubriacone che continua a bere per non provare la vergogna di bere, un uomo che accende e spegne continuamente i suoi lampioni.
Quello che traspare dal racconto, che ha segnato generazioni con il suo significato tangibile, è come gli uomini crescendo riescano a perdere il candore e il contatto con le cose importanti, non cogliendo più il senso di ciò che possiedono, che vivono e provano.
Il Piccolo Principe è un romanzo fantastico, che senza pretese cerca di essere d’insegnamento alle persone che lo leggono, evidenziando importanti valori, quali la purezza, l’armonia e l’amore per l’universo oltre che per tutti gli esseri viventi che lo popolano.
La messa in scena, in stile commedia musicale, esalta la parte “fantastica” del racconto per cui ogni personaggio viene accompagnato da un “tema” peculiare che lo rende riconoscibile. Tutti questi temi, alla fine, diventano una canzone corale che, oltre a essere assolutamente spettacolare, racconta in maniera inequivocabile che lo stare insieme, la collaborazione, la sinergia possono migliorare la qualità della nostra comunicazione e quindi della nostra vita. Il fascino della spettacolarità si completa con le scintillanti coreografie, gli appariscenti costumi, la scenografia virtuale, una drammaturgia assolutamente fruibile e divertente e un’effettistica di luci e di suoni tipica delle commedie musicali.

Un viaggio straordinario attraverso tre dimensioni trascendenti, emotive, cromatiche, musicali, un cammino che ha una sola meta: le stelle.

“… e quindi uscimmo a riveder le stelle”

“… puro e disposto a salire a le stelle”

“L’amor che move il sole e l’altre stelle”

A raccontare questo viaggio, il poeta Boccaccio che su commissione del Priore di Firenze, sollecitato dal popolo, dal 23 ottobre 1373 tenne una serie di lezioni per spiegare ai fiorentini il capolavoro di Dante.

Dal rosso del fuoco e del male dell’Inferno alla dorata speranza del Purgatorio fino al bianco candore del Paradiso, il viaggio straordinario di Dante si compie in un crescendo di emozioni,paura e fede. Le straordinarie immagini ambientano perfettamente i tre regni percorsi dal Poeta in una suggestione che coinvolge gli spettatori in un caleidoscopio emotivo.

Ovviamente, la drammaturgia rispetterà il verso dantesco con il suo colore e ritmo. Rivivranno in scena i personaggi più significativi incontrati dal Poeta Eterno nel suo viaggio teso al raggiungimento della luce, della speranza, dell’energia, della libertà, della fede, della ricerca della vita…. delle stelle.

La vicenda si svolge ai tempi nostri in Germania, nella città di Amburgo. Una gabbiana di nome Kengah, mentre si tuffava nelle acque del mare del Nord in cerca di cibo, viene colpita dalla “maledizione dei mari”, un’onda carica di petrolio lasciata da una petroliera in difficoltà. Raccolte le sue ultime forze, riesce a raggiungere la città di Amburgo e precipita sul balcone di una casa.

Qui abita Zorba, un gatto grosso dal mantello lucente nero. Morente, la povera Kengah riesce ad affidare il suo primo e ultimo uovo allo stupito Zorba , dopo aver richiesto di mantenere tre promesse:

“innanzitutto covare l’uovo, quindi avere cura del pulcino che sarebbe nato e infine di insegnargli a volare.” Zorba promette di prendersi cura del piccolo che sta per nascere. E così non solo cova l’uovo, ma con l’aiuto dei suoi amici gatti, Colonnello, Diderot e Segretario, alleva con tanto amore il piccolo, anzi la piccola gabbianella e la protegge dai pericoli.

Il problema nasce quando Zorba deve insegnare a volare a Fortunata (così viene chiamata la gabbianella). Dopo tanti inutili tentativi i gatti sono costretti a ricorrere all’aiuto dell’uomo e a rompere il tabù: parlare agli umani nella loro lingua.  L’uomo prescelto è un poeta, un uomo dall’animo sensibile, capace di capire e comprendere. E così Fortunata riuscirà a spiccare il suo primo volo e a librarsi nel cielo: il suo mondo.

Messa in scena in stile commedia musicale  con bellissime canzoni originali e splendide coreografie.

Lorenzo è un ragazzo con le sue difficoltà relazionali, in un ambiente se non cattivo, per lo meno distratto, poco attento a comprendere, che ferisce per leggerezza, fatto di pochi rapporti veri e molte relazioni virtuali, dove l’uso delle parole viene fatto in maniera sconsiderata, senza coglierne il peso che hanno e la forza dirompente che sprigionano, non appena arrivano a un animo sensibile.
La storia di Lorenzo che è una qualunque storia di bullismo è solo un microcosmo rispetto a un mondo in cui la comunicazione è sempre più veloce ma anche sempre più violenta e il confine tra bullo e bullizzato diventa sempre più sottile. Non ci sono soluzioni facili, c’è solo da continuare a mantenere accesi i riflettori sul fenomeno per far sì che chi subisce trovi il coraggio di parlare e chi offende trovi il coraggio di smettere.
Non ci si può nascondere dietro lo “Scherzavo, non sapevo”. Le parole sono sassi, sono armi volontarie, sono l’espressione dei nostri pensieri… le parole siamo noi!

Un direttore di teatro sull’orlo del fallimento, un gruppo di attori disperati e un colpo di genio: convincere Maccio Capatonda a debuttare in teatro per salvare la compagnia e il palcoscenico stesso dalla demolizione. Da qui prende vita una commedia surreale e metateatrale, dove il confine tra realtà e finzione si dissolve: Maccio dialoga con il suo alter ego in video, si confronta con il linguaggio del palcoscenico e con la fragilità – e la verità – dell’essere dal vivo. Tra equivoci, satire, pubblicità impossibili e improvvisi momenti di poesia, lo spettacolo diventa una riflessione comica e vertiginosa sul mestiere dell’attore, sul potere dell’immaginazione e sul senso stesso del teatro oggi. Un viaggio ironico e umano che mescola cinema, televisione e palcoscenico, fino a trasformare il teatro in un set… e il set, finalmente, in teatro.